Scrachados

A peça “A Casa Tomada de Cortázar e Ionesco”

2011-06-14T20:06:00.000-07:00

O Grupo de Teatro “Scrachados” vai discutir a possibilidade apresentar na temporada de 2012 uma adaptação para o teatro do conto A Casa Tomada, de Júlio Cortázar associando-o à cena VII da peça Cantora Careca, de Jean Ionesco. O texto ainda será analisado pelo grupo e, em breve, poderemos trazer novas informações.

“A Casa Tomada de Cortázar e Ionesco” é uma história de Irene e seu irmão que vivem na mesma casa a mais de quatro gerações. São descendentes da aristocracia rural e nada fazem além dela tricotar e ele ler jornais e literatura francesa. Vivem de aposentadoria e da renda da fazenda.

Certo dia a casa começa a ser tomada. O autor, Júlio Cortázar não diz nem sugere quem está se apropriando da casa. A peça, assim como o conto, já se inicia com uma parte da casa tomada. Aos poucos os invasores vão tomando outros cômodos. Neste processo os irmãos recebem uma visita dos Smiths, um casal, personagens de Ionesco, para um jantar. Esta visita é importante, pois a entrada de novos personagens possibilita aos espectadores perceber que se trata de uma tomada simbólica.

O casal, Sr.ª e Sr. Smiths, trazem à peça a futilidade das elites dominantes ou dos emergentes. O diálogo não tem um significado a não ser o constante tagarelar. Deslumbrar com o que há de normal ou reconhecer como anormal aquilo que é cotidiano. Retratam, se formos interpretar Ionesco, que a normalidade ou a humanidade é um produto raro em um mundo onde o valores estão em constante transformação.

Estas transformações estão batendo à porta da casa dos irmãos. Ocupando os cômodos, expulsando os moradores de um tempo em que eles já não têm significados e não se reconhecem como significantes. Estão entre o mundo do crochê da bisavó e a coleção de selos dos pais.

Os personagens vão enfrentando a restrição espacial como um túnel do tempo. À medida que os irmãos vão sendo expulsos ou a casa vai sendo tomada, eles vão, igualmente, regredindo materialmente até se tornarem meros farrapos. Caricaturas de classes sociais que foram superadas pelo tempo.

Cenas Peça: Lobos não Entram em Labirintos

2011-06-06T11:20:00.000-07:00

Lobos estão no Espaço Cultural Renato Russo (508 Sul)

2011-05-22T06:34:00.000-07:00

"Lobos não Entram em Labirintos" estará sendo apresentado na 508 Sul (Renato Russo) até o dia 29 de maio.

Sábados e domingos, às 20h.

Preços populares: R$ 10,00 e R$ 5,00.

Apareçam e convidem seus amigos.

Família dos Construtores do Labirinto

2011-05-10T18:20:00.001-07:00

Segue um vídeo-foto sobre a família dos construtores do Labirinto da peça "Lobos não Entram em labirintos", que será apresentada de 14 a 29 de maio, no Espaço Cultural Renato Russo (508 Sul), as 20:00h.

A família de construtores inicia a peça e tem uma função importante para o fechamento da peça.

Lobos uma tragicomédia humana

2011-05-09T10:11:00.000-07:00

O espetáculo “Lobos não Entram em Labirintos” é trabalhado a partir de figuras góticas. O estranho é o ambiente da peça. São personagens maquiavélicos e risíveis que expressam palavras que não falam e pensamentos que não pensa.

É uma tragicomédia de um Rei decadente que é contada por um Bufão ou de um Bufão decadente que é contada por um Rei, que construiu um labirinto. Nesta relação confusa é somada a história do grupo, a relação difícil entre os atores, que está encenando a peça.

As histórias se entrecruzam se bifurcam e terminam perdidas no labirinto. Mas, quem está perdido no labirinto? O Rei ou o Bufão? Quem traiu quem? A Rainha? Ou todos se traíram?

Afinal de que lado está o espectador? Ele assiste a trama de Lobos ou o próprio drama humano. Acaso, ele foi envolvido pelo labirinto?

Quantos Bufões, Reis e Rainhas estão no labirinto?

Lobos estréiam dia 14 de maio

2011-04-28T17:57:00.000-07:00

Agora é prá valer!

"Lobos não Entram em Labirintos" estreiam dia 14 de maio no Espaço Cultural Renato Russo, na 508 Sul.
Todos os sábados e domingos, às 20h, até 29 de maio.

Preços populares: R$ 10,00 e R$ 5,00.

Apareçam e convidem seus amigos.

“Scrachado” como estilo

2011-04-22T11:13:00.000-07:00

O termo “scrachado” começa a se tornar, para nós, um estilo de arte cênica. Não é um método porque não tem definido uma metodologia de trabalho, mas é um comportamento que se pode notar nas montagens do Grupo de Teatro “Scrachados”. Não utilizamos a inflexão de gênero, pois consideramos o termo comum de dois gêneros.

Ser scrachado é criar uma cena com o que se tem à mão. Os assessórios tornam-se principal. Na verdade não há assessórios. Compor um personagem com duas tiras de pano. Um chapéu que passa de cabeça em cabeça define vários ou um só personagem. Um penteado realça a intenção do ator. Uma ginga de corpo. Ser scrachado não é irresponsabilidade, mas saber como desafiar a criatividade do espectador.

O espectador não é passivo. Vai ao teatro para interagir com os atores. Interagir não é chamar os espectadores para o palco, nem deixar que eles tomem lugar em cena. Interagir é provocar a participação espiritual dos espectadores. Promover momentos de simbiose extracorporal. Viver a mesma ilusão como realidade concreta.

Ser scrachado é deixar o espectador relaxado em sua cadeira. Sorrindo com o corpo mole ou tomado por uma tensão estranha que o faz permanecer mudo. É dizer: “ai vai a bola, rebata, por favor, e que seja com força”.

Ser scrachado é ter um respeito pelo desarranjo arranjado. Pela desordem ordenada. Pelo caos padronizado. Não é normatizar, nem ser um arrumadinho bonito. É ter uma personalidade que não se acomoda com a hierarquia. É ter uma atitude criativa que incomode positivamente o outro.

Assim, nos propomos a ser scrachados no teatro que fazemos. Nas cenas que criamos e nas músicas que escolhemos para ambientar nossas peças. É importante ter um estilo, uma marca, um jeito de ser e, o nosso jeito, é assim, scrachado.

Teatro de Graça

2011-04-16T08:08:00.001-07:00

O Grupo deverá fazer algumas apresentações de graça em alguns estabelecimentos de ensino, antes de estrear no Espaço Cultural Renato Russo (508 Sul, no dia 14 de maio.

Já enviamos a proposta para o Instituto Cervantes e a UPIS.
Estamos aguardando resposta.

Caso outros estabelecimentos se interessem estamos dispostos a fazer apresentações.

Estas apresentações são importantes para o grupo ganhar ritmo de espetáculo.

Chegar na estreia afinados. Como uma orquestra.

Nada de tocar de ouvido. Todos com a partitura diante dos olhos.

O melhor ao melhor público: o nosso!

Lobos não Entram em Labirintos

2011-03-15T12:13:00.000-07:00

"LOBOS" estreiam em Maio no 508 Sul

2011-03-06T10:14:00.000-08:00

A peça “Lobos não Entram em Labirintos” estreará no dia 14 de maio, às 20h, no Espaço Cultural Renado Russo (508 Sul). Entrada: R$ 5,00 e 10,00. A peça montada pelo Grupo de Teatro Scrachados e Companhia Nave Cênica, texto e direção de Del Vigna, ficará em cartaz durante os primeiros três fins de semana de maio. A peça retrata a história de um reino decadente contada por um bufão. Elenco: Ana Carol, Del Vigna, Fernando Pessoa, Fernando Souza e Mary Abrão.

Esta peça tem significado?

2011-02-06T06:33:00.000-08:00

O grupo conversou sobre o que cada um entendia ser a mensagem da peça "Lobos não entram em Labirintos". Houve discordâncias, mas nada tão contraditório que não pudesse ser ajustado.

Conversamos sobre os personagens, as suas incoerências e o que representavam. Ficou estabelecido que se pode visualizar a peça em duas dimensões: a primeira, a dos personagens; a segunda, a dos atores/atrizes. Cada dimensão tem um sentido próprio, mas criam irrealidade que se completam.

Primeira Dimensão. Não há nenhum personagem da Corte (Rei, Bufão, Rainha e Dama de Companhia) que não é ambicioso. Tudo é uma questão de graduação. Uns menos outros mais. Neste sentido há um jogo pelo poder cuja força motriz é a ambição. Os outros personagens (família de arquitetos, guarda e mensageiro) são elos e informação entre as cenas. Há, também, os personagens simbólicos (Brás Cubas, Coelho da Alice e o Inseto de Kafka) que servem para ampliar o universo de entendimento do público e trazem em si a irrealidade que vai toma conta da peça.

Segunda Dimensão. Entre os atores/atrizes pode-se entender que há uma separação de acordo com os papéis que representam. O Ricardo (Rei) e o Sérgio (Bufão), como protagonistas estão acomodados no status quo. A Clarinha (Rainha), que só aparece em uma cena, é a mais incomodada. A Paty (Dama de Companhia) tem baixa ambição, mas segue a rebelde Clarinha. O Diego (empresário/diretor) é movido pela ambição e pelo lucro. Não se importa com a vida dos atores/atrizes, apenas com a bilheteria. As duas atrizes (Jura e Gil) e o ator (Renato), que interpretam a família dos construtores do labirinto, são indiferentes. Estão voltados para os seus problemas individuais.

Dimensão única. Estas duas dimensões representam realidades diferentes. A primeira é a do desatino, da loucura, da confusão. A segunda é uma face da realidade da vivencia dos grupos de teatro. A precariedade das montagens, os baixos investimentos, ajuda de custo irrisório, a imposição do empresário e do diretor. As duas dimensões se encontram em algum ponto do entendimento. Este espaço pode ser na interpretação de alguns, o universo consciente/inconsciente de uma única pessoa. Em síntese, a peça pode retratar um processo de loucura de uma mente desordenada. Os personagens são todo um só personagem que se duplicam e se confundem. Agridem-se, humilham e se humilham. Matam-se e renascem, para conduzir a peça até o seu final.

Nesta ordenação aparentemente incoerente os atores/atrizes poderiam ser o consciente tentando dar uma racionalidade aos personagens, que ao fugirem do espaço inconsciente, tentam apresentar um enredo racional? As interpretações podem divergir, mas continuam sendo olhares que se aproximam de um desenho de nuvens.

O INEVITÁVEL

2011-01-20T15:04:00.000-08:00

Eu ia andando

pela calçada
com a sombra da minha sombra
na solidão paralela que me contorna.

Do outro lado da rua

- a outra margem -
o inevitável chegou
como ele sempre aparece - inevitável.

Sentamos os dois,

o inevitável e eu,

mão na mão, olho no olho,

nos reconhecendo - já somos velhos amigos.

foto: WEB

Postado (sexta-feira, 7 de janeiro de 2011) por Dalva Maria Ferreira às 03:05

http://poesiasecasos.blogspot.com/

As confissões do Rei

2011-01-17T16:07:00.000-08:00

Na peça a três momentos de reflexão do Rei e do Bufão. O Rei faz duas declarações, quase poéticas, aos espectadores diante de uma moldura de espelho vazada. A última é feita pelo Bufão.

Primeira fala:
"REI – (O REI RODA A MOLDURA DO ESPELHO ATÉ FICAR FRENTE À PLATÉIA. DECLAMA. O BUFÃO REPRESENTA AS FALAS) Eu tenho em mim um imperador e um vassalo. O imperador é cavalheiro e cordial. O vassalo é obediente e comportado. Gosta de se mostrar submisso e mantém a cabeça pendida. (AO BOBO DA CORTE) Acho que você deve andar de quatro".

Nesta fala parece evidente a dupla personalidade do Rei. Seria esta a chave de compreensão da peça? Será que ele está se dirigindo a si próprio as falas da peça? Ou inicia um jogo perverso com o Bufão?

Segunda fala:
"REI – (O REI RODA A MOLDURA DO ESPELHO ATÉ FICAR FRENTE À PLATÉIA. O BUFÃO SE POSTA DO OUTRO LADO DA MOLDURA) Hoje eu sou você. Eu estou aqui, atrás deste espelho, que me retrata por inteiro. O delírio de estar aqui e aí, me desperta um louco desejo de sair. De gritar. De romper as cadeias que me prendem. Mas, eu não vou encenar esse ato. Estou muito cansado! Prefiro dormir. Mas, antes quero me drogar. Enquanto deliro, outro ser, mesquinho, faz amor por mim. O amor não é um jogo político. O amor é a entrega pura e simples, como um suborno".

Novamente o Rei aprece deixar claro que ele e o Bufão são a mesma personagem. Ou pensa ser? Quem é o ser mesquinho que faz amor por ele? O Bufão? Então, seria este personagem a parte podre do Rei? A parte que é recusada e não reconhecida pela parte aceita. Qual na verdade é a parte boa ou má? Nunca se sabe. Recusaria o Rei esta parte porque a outra se vê traída pelo Bufão? Que papel jogaria a Rainha nesta traição?

Terceira fala:
"BUFÃO - (O REI RODA A MOLDURA DO ESPELHO E FICA FRENTE À PLATÉIA. O BUFÃO SE POSTA ATRÁS DO REI E DECLAMA) Assim ele ia. Admirando-se. E frente a todos, sorria. (O REI SORRI, CADA VEZ COM MAIOR FEROCIDADE). Agora estou sorrindo. Dente por dente. Refletido no espelho vejo um sorriso canino. Um animal predador não faria melhor. Espero devorar todos. Ente por ente. Não ofereço uma ceia, promovo uma sessão de engorda. Espreito os dedos dos meus convidados. Sorrio! Dente por dente".

Nesta cena o Bufão manipula as falas do Rei. O texto é de uma violência animal. Aliás, é esta animalidade que conduz o texto. Talvez, por isso o autor colocou-o na boca do Bufão. Isso pode ser uma indicação da índole do Bufão. Se isso for considerado como verdade, pode-se supor que a parte do Rei é de boa índole. Isso se entendermos que Rei e Bufão é uma única personagem, de fato, o Bufão é a parte má. Mas, isso não é uma hipótese do Rei?

Tudo suposições. Falas de confessionário.

Passeio urbano

2011-01-02T17:37:00.000-08:00

Largado no sofá observo a luz ir se modificando. Ruídos urbanos acompanham as sombras que avançam. Um carro passa acelerado. Insistente falta de educação no transito. Bocejo.

“Porra! Tomei um copo de caipirinha sem notar”. Fico pensando em fazer outro, mas numa lerdeza atroz me toma. “Preguiça é pecado mortal? Jesus bebia vinho porque não conhecia caipirinha”. Espremo outro limão, vagarosamente.

http://edelciovigna.zip.net/

Scrachados marcam estréia na 508 Sul

2010-12-23T15:54:00.000-08:00

O Grupo está pleiteando a Sala Multiuso do Espaço Cultura Cultural Renato Russo (508 sul) para apresentar a peça teatral “Lobos não entram em Labirintos”, de Del Vigna, encenada pelo Grupo de Teatro “Scrachados”.

Estamos solicitando os dias 14 e 15, 21 e 22, 28 e 29 de maio de 2011, sábado e domingo respectivamente. A proposta é apresentar a peça a preços mínimos de R$ 10,00 (inteira) e R$ 5,00 (meia) a entrada.

Não está afastada a hipótese de o Grupo fazer uma pré-estréia menos formal, com ingresso gratuito, como pensamos no artigo abaixo.

Informações boas e não tanto

2010-11-29T09:57:00.000-08:00

Tenho algumas infomações. Umas boas outras nem tanto.

A primeira, não muito boa, é que o prédio abandonado que estavamos de olho para estrearmos a peça, foi demolido.
Se estívemos dentro daria uma boa notícia do grupo. Perdemos uma oportunidade.
Para quem está chegando agora, o grupo tem a intenção de estrear a peça a meia-noite em um prédio abandonado. Vamos iluminar a peça com tochas.

A boa noticia é que não haverá cobrança de ingressos.
Free.
Passe livre.
A peça começara exatamente a meia-noite.
Exigencia: vontade de assistir a peça e depois falar bem.

Outra coisa, não haverá convite antecipado.
Como o prédio foi demolido (aquele ao lado do Brasília Shopping), vamos ter que sondar outro local igualmente abandonado.

Como já é final de ano, transferimos a estrea para Março de 2011.
Vamos espalhar a notícia de várias formas: aqui no site dos "Scrachados", Mural do Instituto de Artes Dramáticas e do Mural de Artes Plásticas da UnB, no Espaço 508 (Renato Russo) e por email de alguns amigos.

Aguardem!

TIERRA SIN MAL

2010-10-21T17:53:00.000-07:00

Tierra sin Mal un lugar accesible a los vivos, un lugar donde, “sin pasar por la prueba de la muerte” se podía ir en cuerpo y alma.
Tierra sin Mal, ese lugar privilegiado, indestructible, donde la tierra produce por si misma sus frutos y donde no hay muerte.
Allí estaba el significado por el cual elegí ese nombre, ¿A cual tierra perteneces?, ¿Cuál es tu Tierra sin Mal?

Buscar, remitirse, encaminarse hacia ese norte que determine tus actos, realizarse en la tierra de todos y de nadie, tomar posesión de lo que es tuyo, de lo que se te fue dado. El Proyecto Tierra sin Mal es un encuentro de culturas, de personas, de formas de vida, vive y construye tu propia cultura de acuerdo a tu propia vivencia cotidiana.

Veja: http//proyectotierrasimmal.blospot.com

Nada é impossível de mudar/Exceção e a regra - Bertold Brecht

2010-10-21T17:36:00.000-07:00

Desconfie do mais comum.

Examine o que parece habitual.

Não aceite o óbvio como coisa natural, pois em tempo de desordem, de confusão organizada, de arbitrariedade consciente, de humanidade desumanizada, nada deve parecer natural nada deve parecer impossível de mudar.

Estranhe o que não for estranho.

Tome por inexplicável o habitual.

Sinta-se perplexo ante o quotidiano.

Trate de achar um remédio para o abuso, mas não se esqueça de que o abuso é sempre a regra.

Estrangeirização das Terras do Brasil

2010-08-17T15:54:00.000-07:00

Stultifera Navis – trechos in A história da Loucura, de Foucault

2010-08-16T08:52:00.000-07:00

“Aproximem-se um pouco, filhas de Júpiter! Vou demonstrar que o único acesso a sabedoria perfeita, a que chamamos a cidadela da felicidade, é através da loucura (Erasmo de Roterdã).”
Mas, este caminho, mesmo quando não leva a nenhuma sabedoria final, mesmo quando a cidadela que promete não passa de miragem e loucura renovadas, esse caminho é em si mesmo o caminho da sabedoria, se for seguido sabendo-se que se trata justamente do caminho da loucura. O espetáculo inútil, os ruídos frívolos, essa algazarra de sons e cores que faz com que o mundo seja sempre essa apenas o mundo da loucura, é preciso aceitá-la, acolhê-la em si mesmo, porém na clara consciência de sua fatuidade, dessa fatuidade que é tanto a do espectador quanto a do espetáculo. É preciso ouvir esse barulho tão seriamente quanto se ouve a verdade, mas com essa atenção ligeira, mistura de ironia e complacência, de facilidade e de secreto saber que não se deixa enganar, com a qual se ouvem normalmente os espetáculos da feira: não com os ouvidos “que servem para ouvir as prédicas sacras, mas aqueles que se prestam, na feira, aos charlatões, aos palhaços e aos bufões, ou mesmo as orelhas de asno que o nosso rei Midas exibiu diante de Deus”.
Aí, de imediato colorido e barulhento, nessa aceitação cômoda que é uma imperceptível recusa, se desenvolve a própria essência da sabedoria. Sub-repticiamente, pela própria acolhida que ela lhe faz, a razão assume a loucura, delimita-a, toma consciência dela e pode situá-la.
“Quem sabe quão imperceptível é a vizinhança entre a loucura, com as joviais elevações de um espírito livre, e os efeitos de uma virtude suprema e extraordinária?”
Em Cervantes ou Shakespeare, a loucura sempre ocupa um lugar extremo no sentido de que ela não tem recurso. Nada a traz de volta à verdade ou à razão. Ela opera apenas sobre o dilaceramento e, daí, sobre a morte. A loucura, em seus inúteis propósitos, não é vaidade; o vazio que a preenche é “um mal bem além de minha prática”, como diz o médico a respeito de Lady MacBeth. Já se tem aí a plenitude da morte: uma loucura que não precisa de médico, mas apenas de misericórdia divina. A alegria suave, enfim encontrada por Ofélia, não a reconcilia com felicidade alguma; seu canto insano está próximo do essencial quanto “o grito de mulher” que anuncia, ao longo dos corredores do castelo de MacBeth, que “a Rainha morreu”. Sem dúvida a morte de Dom Quixote ocorre numa paisagem calma, que se reconciliou no último instante com a razão e a verdade. Mas, será esta repentina sabedoria da loucura outra coisa que não “uma nova loucura que acaba de entrar-lhe pela cabeça?” Equívoco indefinidamente reversível que só pode ser desfeito, em última instância, pela própria morte. A loucura dissipada só pode constituir uma única entidade com a iminência do fim.
Mas, a loucura logo abandona essas regiões últimas em que Cervantes e Shakespeare a tinham situado. E na literatura do começo do século XVII ela ocupa, de preferência, um lugar intermediário: constitui assim antes o nó que o desenrolar, antes a peripécia que a derradeira iminência. Deslocada na economia das estruturas romanescas e dramáticas, ela autoriza a manifestação da verdade e o retorno apaziguado da razão.
Scudéry sabia muito bem disso quando, querendo fazer em sua “Comédia das Comédias” o teatro do teatro, situou de uma vez sua peça no jogo das ilusões da loucura. Uma parte dos comediantes deve representar o papel de espectador e, os demais, o papel dos atores. É necessário, portanto, de um lado, fingir que se toma o cenário pela realidade, a representação pela vida, enquanto na verdade se está representando num cenário real; e, de outro lado, fingir representar e mimar o ator quando se é, na verdade, simplesmente, um ator que representa. Duplo jogo no qual cada elemento é ele mesmo desdobrado, constituindo assim esta troca renovada entre o real e a ilusão que é, ela mesma, o sentido dramático da loucura.
“Não sei que extravagância é essa de meus companheiros, mas ela é tão grande que sou levado a crer que um encanto qualquer lhes rouba a razão, e o pior é que eles estão tentando fazer com que eu a perca e vocês também. Querem me convencer de que não estou em um teatro, de que esta é a cidade de Lyon, de que ali existe uma hospedaria e aqui um palco, onde os comediantes que não somos nós, e que, no entanto somos nós, representando uma Pastoral”.
Nessa extravagância, o teatro desenvolve sua verdade, que é a de ser ilusão. Coisa que a loucura é, em sentido estrito.

Campanha pelo Limite da Propriedade da Terra

2010-08-04T07:45:00.000-07:00

Cena inicial: Lobos não entram em Labirintos

2010-07-25T09:53:00.001-07:00

Ensaio Fotográfico: Lobos não entram em Labirintos

2010-07-16T17:25:00.000-07:00

Labirinto – Jorge Luis Borges

2010-07-11T18:07:00.000-07:00

Não haverá nunca uma porta. Estás dentro
E a fortaleza abarca o universo
E não tem nem anverso nem reverso
Nem externo muro nem secreto centro.
Não esperes que o rigor de teu caminho
Que teimosamente se bifurca em outro,
Que obstinadamente se bifurca em outro,
Tenha fim. É de ferro teu destino
Como teu juiz. Não aguardes a investida
Do touro que é um homem e cuja estranha
Forma plural dá horror à fantasia
De interminável pedra entretecida.
Não existe. Nada esperes. Nem sequer
No negro crepúsculo a fera.

Personagens - Lobos não entram em Labirintos

2010-07-03T19:47:00.000-07:00

O GTS já começou a trabalhar alguns figurinos e projetar alguns personagens da sua próxima peça.
Lobos não entram em Labirintos é uma história de um reino decadente contada por um bufão onde o Rei manda construir um Labirinto.
Há um jogo triangular entre o Rei, o Bufão e a Rainha. A este triangulo se soma outra personagem a Dama-da-Corte. Seria um quadrilátero se as personagens fossem personagens singulares. Mas, no desenrolar da trama estes personagens se assemelham a jogos de espelho. São duplos de uno.
A simbologia da trindade se multiplica na família de construtores do labirinto: pai, mãe e filha. Podem ser traduzidos como uma leitura da idade média da Santíssima Trindade. Construtores de sonhos.
A peça, porém, extrapola o script e há uma rebeldia entre os atores que demandam um novo destino aos personagens. A morte ou a vida de um personagem é um processo temporal que se confunde com a temporalidade dos que os representam. Ela oscila sempre do palco ao camarim.
A morte de um ator ou sua possibilidade recompõe o equilíbrio da peça. Que desliza entre a loucura e o delírio de um Rei (ou de um Bufão?) por um labirinto (ou pelo universo ou pelo inconsciente?) que é infinito (ou finito na morte).
Mas, ainda não é a morte, é somente a decadência. Como diz o Rei, “o homem está seguindo uma linha ascendente na história e uma linha descendente na moral”.
A peça Lobos não entram em Labirintos deverá estar nos palcos de Brasília em novembro de 2010.

Os Scrachados e o Método

2010-06-14T17:56:00.000-07:00

O Grupo de Teatro Scrachados (GTS) está exercitando um método e concepção cênica centrada na pessoa. É uma experiência que privilegia o trabalho do ator e da atriz.
Esta proposta não é nova. Bertold Brecht, nos anos 20 do século passado; Jerzy Grotowski, nos anos 70 e 80; Antunes Filho desenvolve seu método desde início dos anos 80. Todos se centraram no ator. O complemento é dispensável.
Na verdade não existe complemento, existe o todo cênico que se apropria da imaginação do espectador. A música, o figurino, o cenário, a iluminação e tudo o mais devem ser realizados pelos atores e deve ter um fim.
Este fim não deve ser utilizado para manipular a percepção do público, mas para auxiliar a esclarecer o que na cena pode passar despercebido. Brecht utilizou a musica para revelar o gestus social, o comportamento de classe de um personagem.
Os Scrachados estão exercitando o método centrado na pessoa humana nos ensaios da peça ‘Lobos não entram em labirintos’. A primeira experiência ocorreu na peça ‘Mudança climática em cinco rounds’, apresentada no ano passado.
Este método é um desafio para o ator/atriz que tem que se libertar dos clichês, dos comportamentos mecânicos e das falsas mascaras que fazem o espectador sofrer.
Em novembro os Scrachados vão estar no palco. Não criam expectativas, não se torturam com o fracasso, nem acreditam que o sucesso vai transformar suas vidas. Carregam a certeza que ao praticar o método melhorarão enquanto mulheres e homens de teatro e se projetarão enquanto seres humanos em um mundo povoado de mascaras e ilusões.
Somos um grupo do nosso tempo. Tradutores dos desafios contemporâneos. Entramos conscientes no labirinto cênico, ideológico, psíquico, social, religioso, simbólico e cultural, acompanhados de alguns ícones que nos conduziram pelos corredores espelhados.

Comentários sobre as Dionisíacas, do Zé Celso

2010-05-31T12:19:00.000-07:00

Não posso deixar de fazer alguns comentarios sobre as peças do Teatro Oficina, as Dioniosíacas (quatro peças: Taniko; Cacilda!; Bacantes e Banquete), que estiveram em Brasília, nos dias 27 a 30 de maio.
A proposta do Zé Celso é fazer um Teatro de Estádio, em resumo: uma estrutura que comportava 1.500 pessoas e onde a participação do público é fundamental. Somado a esta dimensão e desejo, as peças pretendem ser uma celebração missa negra-macumba-canaval-orgiástico. Enfim, uma salada paticipativa onde todo mundo poderia se tornar um ser atropofágico na maior normalidade possivel.
A duração das peças - com exceção da Taniko - tinham em média cinco horas. Começava tipo 19h00 e terminava por volta das 2h00 da manhã. Vi muita gente saindo do espetáculo tanto pela hora, como pelo escandalo que provocavam em espíritos menos avisados.
Gostei da Taniko, que se baseava em uma lenda japonesa, muito pareceida com a da peça "Aquele que diz sim e aquele que diz não", de Brecht. Conta a história de um jovem que sai da sua aldeia para vir ao Brasil. No meio do oceno ele fica doente e, manda a lenda, que os doentes tem que ser atirado ao mar.Os marinheiros devem perguntar para o doente: "você quer voltar ou ficar?". Ele deve responder "quero ficar" e ai os amigos o matam o jogam no mar.O ritual é cumprido, mas o Mestre pergunta para os marinheiros se a grande Regra não deve ser alterada, pois não se pode matar aqueles que amamos. Assim, são chamados os deuses do Oceano: Yemanja (uma negra semi-nua, toda paramentada). O jovem é rescucitado e a peça termina em paz.
Muita cantoria, muita plasticidade, muito bom gosto com um figurino simples, feito de materiais recláveis e papel.
A Cacilda!! (Estrela Brasyleira a Vagar), de cinco horas de duração, me cansou não pelo tempo, mas pelo detalhamento excessivo e pela repetição. O mecanismo do espetáculo, que se repetiu em todos os demais, é o seguinte: os atores contam um trecho do roteiro (que pode ser de uma hora, por exemplo) e depois fazem uma dinâmica carnavalesca onde chamam o publico... e a moçada embarca legal! Neste contexto a história da vida de Cacilda, para mim, ficou muito confusa.
A peça Bancantes, que era a marca registrada do Oficina, deixou a desejar. A história de Dionísios que se mistura com uma disputa de poder entre o Espiritual e o Temporal, em um contexto RioCarnavalescoTuristico era tão contraditório, que nem os nús seguraram o pessoal depois do intervalo, que ocorreu por volta das onze horas.
Não fui ver o Banquete, mas acredito que seguiu a mesma repetição mecânica de contar e puxar a participação...
Esta participação não acrescenta nada ao espetáculo, é apenas uma forma de fazer o publico se mexer para não dormir ou evitar que o pessoal boceje muito alto.
Os atores e o Zé Celso se divertem muito, mas que cansa, cansa!

Cacilda II, de Zé Celso

2010-05-30T07:33:00.001-07:00

Bacantes, de Zè Celso

2010-05-30T07:30:00.000-07:00

Cacilda!! - Teatro Zé Celso

2010-05-30T06:24:00.000-07:00

Ser ou não Ator?

2010-05-23T14:56:00.000-07:00

Antunes Filho, diretor do Centro de Pesquisa Teatral, trabalha com pesquisas, laboratórios, exercícios e direção artística de peças e espetáculos.

Há um caminho a seguir?
Quem faz o caminho é a própria pessoa. Não tem certo ou errado. O que eu costumo dizer para as pessoas que chegam no CPT é que antes de pensar o artista temos que formar o homem, o cidadão, depois vem o artista. E depois, não há ''o'' caminho, há o caminhar. Um ator não tem que estar nem na partida nem na chegada, tem que estar no meio, entre as coisas.

Qual o princípio básico de um ator? O que ele deve desejar em primeiro lugar?
Não sei. Acho que o que é importante dizer é que as pessoas vêm já querendo pegar o texto e sair falando... Mas falando o quê? Para quem? Por quê? De onde? Para quê? Eu posso ter vontade de tocar piano, mas não tenho técnica, não sei tocar. A ''intenção'' não basta. É preciso técnica, sem técnica o ator não sai do lugar. Técnica e cultura. Muita cultura: conhecer música, artes plásticas, literatura, cinema (bom cinema!). Teatro é relação entre as coisas.

Como prepara atores?
Eu não preparo nada. Quem prepara é o processo. O que isso quer dizer? Quer dizer que, no dia-a-dia, resquícios dos ensaios vão ficando, cada dia de ensaio é uma camada, um esboço para o quadro que se pretende pintar. Então, nesse sentido, as pessoas ''se'' preparam, indicamos, apontamos caminhos e abrimos a porta, e a pessoa segue.

Consegue distinguir quem tem alma?
Eu já acertei algumas vezes e errei outras. Às vezes, eu reprovo alguém nos testes para o CPTzinho e a pessoa fica brava, triste, chateada. Mas não é nada pessoal. Se ela for de teatro, nós vamos nos encontrar lá na frente, como já aconteceu muitas vezes para quem eu já havia dito que não dava e deu. E outras vezes, eu já falei sim para pessoas que depois entenderam que não eram de teatro. Então, é muito relativo.

Onde busca referências?
As referências são as coisas mais importantes para qualquer coisa no teatro. Eu sempre peço para os meus atores assistirem a filmes que tenham relação com o que estamos trabalhando, irem às exposições, a lerem obras correlatas com aquilo que se está fazendo. Como é que eu vou fazer alguma coisa sem uma base de onde partir? Não dá! É tudo sempre um diálogo com alguma outra coisa. Mesmo que eu quebre a minha referência inicial. Sem base, não se sai do lugar.
Algumas pessoas desistem da arte da dramaturgia porque não conseguem ganhar dinheiro em um curto prazo.

Como solucionar a questão financeira?
Quando a gente quer, a gente se vira. Trabalha à noite, não dorme, não come. O artista é um inquieto por natureza. O sacrifício no início da carreira faz parte do aprendizado, com a sorte nos ajudando. Ou será que é a gente que faz a sorte?

Por Elisa Duarte

http://contigo.abril.com.br/reportagem/antunes-filho-formacao-ator-348800.shtml

Ser ou não ator?

2010-05-23T14:49:00.000-07:00

José Celso Martinzez é criador do Teatro Oficina. O diretor começou a ser visto como referência teatral após o espetáculo O Rei da Vela (1967), de Oswald de Andrade, considerado uma das montagens mais inovadoras do diretor pelos acessórios, cenário e músicas.

Quais as bases para uma pessoa permanecer na carreira de teatro e perseverar na profissão de ator? Há um caminho a seguir?
Não há caminho certo. Ao contrário, é preciso inventar caminhos, impulsionado pelos teus desejos mais secretos, mais proibidos, considerados ''errados'', tabus pela maioria do rebanho. Mas o teatro você faz com outros, não é uma arte solitária. Você precisa comungar, comer e ser comido por pessoas que, por coincidência milagrosa no tempo, você encontra, que queiram partir contigo, na busca de dar pelo teatro mais vida às suas vidas e à vida de todo mundo: o público do seu tempo. É como encontrar muitos amantes, encontrar os parceiros de jogo desta orgia que é o teatro. Para permanecer nesta "roça", é preciso ser antes de tudo "um forte", pois você vai ter que dia a dia, noite a noite, conquistar tua permanência sambando na corda bamba da fatalidade, que são as transformações permanentes da vida e da morte. Estar plugado sempre em todo mundo, mas ir mais além no risco, na beleza, com ginga na arte de teatro, que é a mesma que a de amar e a de viver.

Qual o princípio básico de um ator? O que ele deve desejar em primeiro lugar?
Ator é o que age, atua em si mesmo, no outro, na matéria do mundo. O ator não ''deve'' nada, ele tem é de assumir seu poder humano, o poder do seu corpo, que é quem sabe o que ele, corpo, quer desejar. Atuar é desejar outros corpos do mundo, além das máscaras profissionais, da idade, de classe, dos armários, enfim, além do bem e do mal. Teu próprio desejo vai descobrir - no espelho do desejo dos outros você vai escolher como companhia através da poesia do teatro de hoje e do mais antigo.

Como prepara seus atores?
Preparando-me para merecer encontrar atores. Atuando sobre a coragem do meu instinto para entrar em sintonia com os que mexem comigo, isto é, que atuam comigo. É como o namoro. É difícil explicar por que você ama umas pessoas e não outras. Os atores e atrizes revelam-se como enamorados. A arte do teatro não é diferente da arte da paixão, de produzir e adorar a beleza, da arte de viver intensamente, enfim. Não há coisa mais deliciosa do que a vida de artista, mas custa muito caro. Precisa de muito instinto e felicidade guerreira.

O que pensa grande número de pessoas que buscam a carreira de ator apenas para ficarem famosas?
A arte do ator é a da interpretação da vida a partir do seu corpo, em contato com tudo e todos pelos seus sentidos. O ator que se vende para tornar-se celebridade, ter fama, ficar rico, ter prestígio social, sacrifica muitas vezes sua arte, que é a de interpretar-se e passa a ser interpretado pelos marqueteiros do ibope. Claro que o ator quer e merece ser reconhecido, é justíssimo, mas os que têm o que dizer ao mundo são mais ambiciosos, querem mais que ser celebridade, querem ser eternos, imortais na sua total mortalidade. Estes deixam vestígio de sua passagem no mundo, tatuam o coração da condição humana.

Por Elisa Duarte

http://contigo.abril.com.br/reportagem/jose-celso-martinez-correa-formacao-ator-348803.shtml

O Labirinto, de Jorge Luis Borges

2010-05-21T18:41:00.000-07:00

Este é o Labirinto de Creta (Jorge Luis Borges)

2010-05-21T18:11:00.000-07:00

Este é o labirinto de Creta.

Este é o labirinto de Creta cujo centro foi o Minotauro.

Este é o labirinto de Creta cujo centro foi o Minotauro que Dante imaginou como um touro com cabeça de homem e em cuja rede de pedra se perderam tantas gerações.

Este é o labirinto de Creta cujo centro foi o Minotauro, que Dante imaginou como um touro com cabeça de homem e em cuja rede de pedra se perderam tantas gerações como Maria Kodama e eu nos perdemos.

(Atlas - tradução de Miguel Angel Paladino)

Entrevista com Wal Mayans

2010-05-19T14:27:00.000-07:00

Que tendência do teatro contemporâneo te parece mais interessante?

Na realidade é difícil definir as tendências do teatro contemporâneo, mais difícil ainda é definir os seus componentes que se alteram, se rebelam e voltam a ser contemporâneos. Existem sim muitos teatros novos como contemporâneos, mas respondem apenas ao seu tempo, tendências e geração cultural. Não tem raízes, são apenas trabalhos espetaculares sugeridos pela arte da moda, mas na realidade não deixam nada, não transcendem, passam rápido de moda. São poucos os grupos de teatros preocupados em desenvolver um trabalho próprio com um método, uma técnica, um estilo próprio de trabalho de pedagogia para o ator, de montagem, etc.

Mas, se também estão aqueles que sustentaram sua história e a história através dos tempos, aqueles que em 15, 20, 30 e 40 anos juntos, que contra vento e mares tem defendido sua arte, tem lutado, e também em seu momento se tem isolado, permanecido sempre junto, até que termine a tormenta e continuaram trabalhando para crer neles mesmos projetando sua arte sobre as bases de suas próprias experiências, se tem integrado as mudanças sociais, político-culturais, e, todavia, seguem vivos e seus trabalhos seguem sendo contemporâneos.

Há aqueles rebeldes, heréticos, reformadores do teatro, estes pais fundadores da modernidade (Stanislavski, Meyerhold, Craig, Copeau, Artaud, Brecht y Grotowski) são criadores da transição. Seus espetáculos sacudiram os modos de ver e fazer teatro e tem obrigado a reflexão sobre o presente e passado com uma consciência totalmente distinta.

“A Transição” é uma cultura. Pessoalmente respeito os diretores e mestres teatrais contemporâneos como Eugenio Barba, Peter Brook, Bob Wilson, Ariana Mnouchkine, e outros grandes referenciais. Normalmente não me detenho sobre um teatro de moda, só sobre aquele que tem uma projeção e profissão de um mínimo de 10 a 30 anos, aqueles que sustentaram a história, tem resistido e tem legado novos significados.

(leia a entrevista na íntegra no blog do Tierra sin Mal, ao lado)

Primeira análise dos personagens do Labirinto

2010-05-15T06:00:00.000-07:00

Na peça “Lobos não entram em Labirinto” há dois personagens protagonistas e um elenco de apoio. Os atores protagonistas, o rei e o bobo-da-corte, mostram-se satisfeitos. Entre os atores do elenco de apoio ocorre uma insatisfação ou uma indiferença. A satisfação tende a explodir. A indiferença ou a alienação acomoda. O que move o drama é a explosão.

No elenco de apoio existe uma gama de personagens com funções diferenciadas. A rainha e a dama-de-companhia carregam uma densidade maior que os outros personagens deste grupo. A insatisfação aparece nas atrizes destas personagens. São elas as rebeldes do elenco. Insurgem contra o texto e contra o autor. Questionam o diretor. Provocam o produtor.

Demonstram um claro entendimento do funcionamento da empresa teatral. “Não está satisfeita, até logo, encontra-se outra atriz”. A rebeldia destas personagens não é revolucionária, pois não é gerada por um questionamento da estrutura da peça, mas por uma necessidade individual de se projetar enquanto atrizes. Mesmo assim, cumprem o papel de denunciar o efeito do capital e sua necessidade de reprodução rápida na arte cênica. Que por ser arte necessita de um tempo diferente do que o da bolsa de valores ou do mercado de capitais, para sua realização.

O personagem do produtor, que detém os direitos autorais da peça, não está preocupado com o destino dos personagens ou a felicidade do elenco, mas com o retorno do capital investido. Representa o conservadorismo. Sua função é manter a situação como está, pois fora deste contexto tudo é ameaçador ao seu investimento.

Há outros personagens de apoio, como o guarda, o mensageiro e “ator”, que são personagens de ligação. Cumprem uma função secundária e não interferem diretamente na trama da peça. São portadores de nuvens carregadas ou não. Sinalizam desdobramentos cênicos que podem ocorrer na peça ou fora dela.

Existem, também, os personagens dos quatro construtores do labirinto, mas vamos analisá-los, assim como os protagonistas, em outro momento.

Escrevendo, discutindo e encenando, vamos compreendendo a peça que escrevemos, discutimos e ensaiamos.

Filosofia do martelo

2010-05-08T17:37:00.001-07:00

Hoje o grupo voltou a ensaiar. Tivemos dois sábados horríveis. Nada caminhou. Tive impressão que até mesmo que regredimos.

Já discutimos a narrativa da peça. É a história de um reino decadente que se aprofunda em uma crise mortal, desde o momento em que o rei resolve construir um labirinto. As personagens são aparentemente duplicadas. O rei pode ser o bobo da corte que pode ser o rei. A rainha pode ser a dama de companhia que pode ser a rainha. Uma parte do elenco não está satisfeito com seus personagens, que são mal construídos e os figurinos são horríveis. Por isso, invadem o palco para reclamar com o autor. O drama do reino mistura-se com o dos atores.

O cenário é um trono capenga e uma grande moldura de espelho, que roda pelo palco. A única musica, do grupo alemão Corvus Corax, é no início da peça e o resto são sons produzidos pelos atores por que o produtor não tem dinheiro para contratar um grupo musical ou pagar os direitos autorais cobrados pela ECAD (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição de Direitos Autorais).

Bem, hoje começamos a marcar algumas cenas. Isso depois de uma longa conversa sobre o comportamento dos personagens. Quem sofre mais é ator que interpreta o bobo da corte. Marcação, jogo de cena e de corpo, puxados. Não se chega ao malabarismo, mas exige-se uma boa cintura.

O grupo é formado por jovens que nunca freqüentaram um curso de arte dramática e estão absorvidos pelos cursinhos para concursos públicos. Distribui entre eles os livros de Stanislavski, Brecht e Grotowski. Lêem quando dá. Alguns faltam quando se aproxima a data do concurso e outros são como bumerangues, vão e voltam. O grupo é bem amador, mas tem todas as pretensões do mundo.

Procuramos aumentar o grupo, mas nenhum ator/atriz apareceu. Estamos tocando a peça pelo método coringa: uns fazem vários personagens.

Bem, como só vamos estrear em outubro...

DEIXA EU ANDAR DESCALÇA

2010-05-08T17:35:00.000-07:00

By Dalva Maria Ferreira

Deixa eu andar descalça nas calçadas,
nas ruelas
e nos becos
que fizeram da infância um lugar mágico.

E mergulhar pelada na água clara
do riacho
que deságua
além das pedras recobertas de taboa.

Deixa eu ter na boca o gosto doce
das goiabas
e das mangas
arrancadas dos quintais circunvizinhos.

E dormir à noite, ouvindo os bichos,
sapos,
grilos,
sonhar talvez, e não pensar em acordar.

Lobos não entram em Labirintos

2010-04-24T20:45:00.000-07:00

Os Scrachados resolveram montar uma peça "Lobos não entram em Labirintos", do diretor do grupo, Edelcio Vigna.

A peça conta história de um reino decadente onde se constrói um labirinto.

A interação entre os personagens - rei, rainha, dama de companhia, bobo da corte e outros - é confusa e beira o irreal.

Os atores tentam alterar o destino dos personagens e algumas histórias pessoais emergem no absurdo da peça.

Os ensaios estão horríveis e os atores faltam muito, mesmo sendo os ensaios somente nos sábados.

O diretor sempre chega na hora, mas a trupe somente uma hora depois. Alguns ligam dando desculpas esfarrapadas e faltam.

Achamos que eles não estão gostando da peça.

Bem, vamos ver como a coisa se processa... e contamos depois.

Em busca de Atores e Atrizes

2010-03-16T12:47:00.000-07:00

Os Scrachados estão começando novas duas montagens para 2010.
Se você gosta e tem vontade de fazer teatro entre em contato conosco.
Não precisa ser formado em artes cênicas ou ter experiência.
Só exigimos pontualidade nos ensaios das tardes de sábados.

Anote nosso email: scrachados@gmail.com

Abs
Del

Antunes Filho, o maior diretor de teatro

2010-02-07T17:00:00.000-08:00

Quem não conhece Antunes, não conhece teatro. Veja um pouco do que ele criou e como criou.

Visão ideológica de Avatar

2010-02-04T12:15:00.000-08:00

"Avatar" já faturou mais de um bilhão de dólares e pode ser o recorde de bilheteria de todos os tempos. É um filme cheio de efeitos visuais para impressionar quem gosta de sessão da tarde. Na maravilhosa da floresta encantada dos homens/mulheres azuis esconde-se uma mensagem poderosa: o mundo unimultipolar só possui polaridades porque o poder ainda é uno.

Depois do filme fiquei convencido que o poder da mídia e da imbecilidade constrói os mitos contemporâneos. A trama do filme é de uma pobreza infinita. Dois povos, os da Terra e os do Planeta Pandora, se enfrentam. Os terráqueos, para variar, estão em crise energética e precisam de um minério que só existe em Pandora, onde vivem os Navi (referência à esperança que ficou no fundo quando foi aberta a caixa de Pandora). Para explorar o minério os terráqueos terão que praticamente destruir o planeta.

O herói rapaz paraplégico cheio de amor para dar (seqüela de guerra) e o Vilão, uma mescla de ogro com sargento do BOPE, ambos norte-americanos. Duas faces da mesma moeda. Yin e Yang. É ridículo ver a preocupação do mocinho em salvar os bárbaros azuis. Assim como é cretino ver o vilão vociferar contra os que opõem ao saque mineral. O compreensivo acelera a ira do repressivo. É estopim da destruição.

O cenário não poderia ser mais significativo: um planeta ecológico e espiritualmente equilibrado, habitado harmonicamente por tribos diversas. As criaturas têm relações íntimas com a natureza. Um éden zen-budista. É um gozo sem pecado. “A menor recompensa para aqueles que se encontram no paraíso é um átrio com 80.000 servos e 72 esposas, sobre o qual repousa um domo decorado com pérolas, águas-marinhas e rubis, tão largo quanto a distância entre Al-Jabiyyah e Sana’a”, tal como se lê no Livro de Sunan, volume IV (livro sagrado do Islamismo).

O espírito da natureza é representado por uma árvore milenar - parece uma sequóia gigante – que domina todas as relações. Esta árvore é o alvo do vilão. Ele quer desmatar, passar o trator por cima. Detonar. O herói, que se transveste por programa de realidade virtual em Navi para espionar, vai se convertendo em um aliado dos azuis, encantado pela filha do chefe – tinha que ser a filha do chefe! Será o grande estrategista da luta entre o bem e o mal norte-americano.

É claro que o bem vence, como venceu o Vietnã, Haiti, El Salvador, Afeganistão, Líbano, Panamá, deixando um rastro de destruição e morte. O herói é tão herói que a natureza exótica conspira para ressuscitá-lo. O morto revive como azul para felicidade da filha do chefe, quem no futuro vai substituir. A harmonia está garantida por aquele que veio de fora.

Os norte-americanos esqueceram rápido os “filhos da vergonha”. Os órfãos por rejeição do Vietnã. Os abandonados em tantos outros cantos do planeta quantas foram as invasões. Eles chegam à Pandora não como esta gente mágica que se chamam de ciganos, mas como predadores do futuro. O herói não é cigano, nem negro, nem hispano-americano, nem judeu, é um típico norte-americano de classe média. Daqueles que pregam bandeira na porta de casa, que montam árvore de Natal e adoram futebol americano com hot-dog.

Avatar veio para reafirmar que o mundo é unipolar. Se houver outros mundos, os heróis de Hollywood vão se transformar em um deles e garantir a unipolaridade planetária. Jamais o herói poderia ser criado em Bollywood, apesar de ter superado Hollywood em número de produções cinematográficas e os indianos serem os mais capacitados na criação de programas visuais.

Avatar não poderia ser produzido na Índia porque no hinduísmo “avatar” é a encarnação de uma divindade sob a forma de um homem ou de um animal, Krishna também é azul. Não poderia ter nascido na China, pois Buda obteve a iluminação sob a árvore bodhi, que simboliza todas as árvores. Não poderia ter nascido no Brasil porque já temos Macunaíma e Jesus de Belém. Seu berço teria que ser em uma nação guerreira, que auto-representa todos os países, que assume a missão de guardião da liberdade.

Este filme é dirigido para crianças e adolescentes, que são abduzidos pela fantasia. É dirigido, também, à população de tolos que abundam este planeta.

Tomasaburo

2010-01-20T06:15:00.000-08:00

Um dos mais importantes atores do teatro Kabuki.
Vejam a obra prima:

http://www.youtube.com/watch?v=B4yLajfdTxQ

Livros Básicos e Necessários

2010-01-08T09:25:00.000-08:00

MINHA VIDA NA ARTE
Konstantin S. Stanislavsky
Editora Bertrand Brasil, 1989

A PREPARAÇÃO DO ATOR
Konstantin S. Stanislavsky
Editora Civilização Brasileira, 1999

A CRIAÇÃO DE UM PAPEL
Konstantin S. Stanislavsky
Editora Civilização Brasileira, 1999

A CONSTRUÇÃO DA PERSONAGEM
Konstantin S. Stanislavsky
Editora Civilização Brasileira, 2001

A EXPERIÊNCIA VIVA DO TEATRO
Eric Bentley
Jorge Zahar Editor, 1967

O TEATRO LABORATÓRIO DE JERZY GROTOWSKI (1959/1969)
Jerzy Grotowski
Editora Perpectiva, 2001

A TERRA DE CINZAS E DIAMANTE
Eugenio Barba
Editora Perpectiva, 2006

TEATRO DIALÉTICO
Bertolt Brecht
Editora Civilização Brasileira, 1967

O ESPÍRITO NA ARTE E NA CIÊNCIA
C.G. Jung
Editora Vozes, 2007

O HOMEM E SEUS SÍMBOLOS
C.G. Jung
Editora Nova Edição, 2008

Mostrai que mostrai, de Brecht

2010-01-01T11:12:00.000-08:00

Entre as diversas atitudes que mostrai ao mostrar como os homens se comportam
Não deve esquecer a atitude de mostrar.
O exercício é o seguinte: antes de mostrar como é que um homem trai ou se torna ciumento, ou fecha um negócio, olhe para o espectador dizendo: agora atenção, este homem vai trair e vai trair assim.
Eis como ele se transforma quando o ciúme o assalta, eis o que fez depois de fechar um negócio.
Desse modo, a sua demonstração acompanhará a atitude de mostrar, de proferir o que já está preparado, de finalizar a tarefa, de continuar eternamente.
E assim mostrará que todas as noites você mostra o que quer mostrar, o que já mostrou muitas vezes.
E a sua representação terá qualquer coisa do trabalho do tecelão, qualquer coisa de artesanal.
Que faz parte da demonstração a sua aplicação constante para facilitar a observação.
Para permitir ao espectador o melhor entendimento de cada acontecimento, tornai-o bem visível.
E assim, atraiçoar, fechar um negócio, ter ciúmes, tudo isso passará a ser uma função quotidiana como qualquer outra: comer, dizer bom-dia ou trabalhar.
(Por que você trabalha o ato de mostrar, não é verdade?)
E por trás dos seus personagens, você permanece visível como aqueles que você apresenta.

Poema do Menino Jesus - Fernando Pessoa/Alberto Caeiro

2009-12-29T14:46:00.000-08:00

Quincas Borba, do luxo ao lixo

2009-12-25T13:07:00.000-08:00

Quincas Borba mora no lixão. É um catador de papel afortunado, pois tem um carrinho de coleta, que utiliza pelas ruas. Pega livros do lixo e os lê para um cachorro de pelúcia, chamado Quincas Borba, que é seu amuleto.
É considerado entre os catadores um filósofo. Prega a filosofia Humanitas, que ele herdou de outro catador de papel. Tem um terno que guarda com cuidado. De vez em quando o coloca e sai sem o carrinho. Há muitas lendas sobre o que ele vai fazer todo bem arrumado.
Quincas não tem família e um dos únicos amigos de Quincas é Rubião, a quem Quincas ensina a filosofia Humanitas. Quincas sofre de uma doença pulmonar que se agrava e morre deixando toda a sua herança para Rubião. O carrinho de coleta, os livros, um terno e o cachorro de pelúcia, que se chama Quincas Borba.
Rubião recebe a herança e, um dia, experimentando o terno descobre em um dos bolsos um número de conta corrente e a senha de um banco. Veste o terno, vai até lá e descobre que tem algumas economias guardadas.
Entre os catadores há um casal, Palha e Sofia, que se aproximam de Rubião com intuito de tirar proveito. Sofia ajuda Rubião arrumar seu barraco. Palha apresenta-o a outros catadores de papel, malandros, pinguços e outros tipos de aproveitadores. Esses personagens aproveitam a comida e pedem seguidos empréstimos. Entre estes há um rapaz, Carlos Maria que Rubião tomará como amante de Sofia. Palha, também, começa a emprestar dinheiro de Rubião.
Rubião começa a freqüentar o barraco de Palha e vai se apaixonando por Sofia, que sabe das dívidas do marido com Rubião. Rubião estimulado por Sofia e levado pela paixão começa a dar-lhe de presente jóias caras. Palha passa a utilizar o carrinho de coleta de Rubião. Em certa noite Rubião se declara a Sofia, que se faz de desentendida. Nada conta ao marido, mas Rubião deixa de ir à casa de Palha.
Rubião começa a ler os livros que herdou de Quincas, em especial o que conta a vida de Napoleão. Aos poucos começa a delirar e pensa em ser Napoleão ou Luis Napoleão. Palha interna-o em uma clínica, junto com o cachorro Quincas Borba.
Rubião escapa da Clínica, com Quincas, e volta para o lixão.
Entra em delírio e fica vagando com o cachorro até que é reconhecido por uma catadora de papel que o recolhe em seu barraco.
Rubião não resiste à febre e morre.
Não morreu súbdito nem vencido. Antes de principiar a agonia, que foi curta, pôs a coroa na cabeça, - uma coroa que não era um chapéu velho ou uma bacia. Não, senhor; ele pegou em nada, levantou nada e cingiu nada; só ele via a insígnia imperial, pesada de ouro, rútila de brilhantes e outras pedras preciosas. O esforço que fizera para erguer meio corpo não durou muito; o corpo caiu outra vez; o rosto conservou porventura uma expressão gloriosa. Murmurou: “Ao vencedor...”
A cara ficou séria, porque a morte é séria; dois minutos de agonia e estava assinada a abdicação.
Final: Queria dizer aqui o fim do Quincas Borba, o cachorro de pelúcia de certa forma também morreu. Amanheceu morto em uma lata de lixo. Mas, vendo a morte do cão narrada em cena especial, é provável que pergunte se ele, se o seu defunto homônimo é que dá o título ao livro. E por que antes um que outro? Questão cheia de questões, que nos levariam longe...
“Vamos! chora os dois recentes mortos, se tens lágrimas. Se só tens riso ri-te! É a mesma coisa. O Cruzeiro, que a linda Sofia não quis fitar como lhe pedia Rubião, está muito alto para não discernir os risos e as lágrimas dos homens.
(FIM)

Adaptação da obra de Machado de Assis by Edelcio Vigna

Vejam uma curta montagem criativa e circense da obra:
http://www.youtube.com/watch?v=Yp8VQ58RZK8&feature=related

Vamos ao Teatro?

2009-11-02T16:20:00.000-08:00

Mudanças Climáticas em 5 Rounds
Teatro Cena Contemporânea (204 Norte): R$ 10,00 e R$ 5,00
Dias 21 (sábado) e 22 (domingo) de Novembro
Horário: 21:00

A saga de uma família que por gerações sofre os impactos das mudanças climáticas e políticas. Enfrenta enchente, poluição, desequilíbrio mental, políticos corruptos. Experimenta a solidariedade, o companheirismo, o sonho e deságua em um tempo futuro onde os recursos naturais foram exauridos. A cada round a família se degrada. O homem desumanizado rosna monossílabos.
Esta saga é um grito de alerta e de esperança.

Elenco: Ana Carolina, Cleber Felix, Fernando Cavalcante, Fernando Pessoa, Mary Abrão, Maria Helena Braga e Tauanna Oliveira.
Direção: Edélcio Vigna

5 Round: O último Sabiá

2009-11-02T16:15:00.000-08:00

Esquete da peça Mudanças Climáticas em 5 Rounds, apresentado durante o Encontro Nacional de Pescadores e Pescadoras Artesanais, em Brasília, em setembro de 2009.

2 Round: Cara-de-Pau

2009-11-02T10:38:00.000-08:00

Esquete da peça Mudanças Climáticas em 5 Rounds, apresentado durante o Encontro Nacional de Pescadores e Pescadoras Artesanais, em Brasília, em setembro de 2009.

4 Round: Família tarja-preta

2009-11-02T09:33:00.000-08:00

Esquete da peça Mudanças Climáticas em 5 Rounds apresentado durante o Encontro Nacional de Pescadores e Pescadoras Artesanais, em Brasília, em setembro de 2009.

1 Round: O Mangue

2009-11-02T09:25:00.000-08:00

Esquete da peça Mudanças Climáticas em 5 Rounds, apresentado no Encontro Nacional de Pescadores e Pescadoras Artesanais, em Brasília, setembro de 2009.

CONVITE PARA IR AO TEATRO

2009-10-21T15:29:00.000-07:00

Mudanças Climáticas em 5 Rounds
Teatro Cena Contemporânea (204 Norte): R$ 10,00 e R$ 5,00
Dias 21 (sábado) e 22 (domingo) de Novembro
Horário: 21:00

A saga de uma família que por gerações sofre os impactos das mudanças climáticas e políticas. Enfrenta enchente, poluição, desequilíbrio mental, políticos corruptos. Experimenta a solidariedade, o companheirismo, o sonho e deságua em um tempo futuro onde os recursos naturais foram exauridos. A cada round a família se degrada. O homem desumanizado rosna monossílabos.

Esta saga é um grito de alerta e de esperança.

Elenco: Ana Carolina, Cleber Felix, Fernando Cavalcante, Fernando Pessoa, Mary Abrão, Maria Helena Braga e Tauanna Oliveira.
Direção: Edélcio Vigna

O ùltimo Sabiá

2009-10-05T05:34:00.000-07:00

Esquete "O último Sabiá" apresentado durante o Acampamento pela Reforma Agrária, promovido pela Via Campesina, em Brasíia, em 13 de agosto de 2009.

2009-10-04T14:13:00.000-07:00

"O último Sabiá"- esquete do espetáculo "Mudanças Climáticas em 5 Rounds", apresentado durante o Festival Internacional Cena Contemporânea, realizado em Brasília - setembro de 2009.

Mudanças Climáticas em 5 Rounds

2009-09-22T16:53:00.000-07:00

Veja as fotos ds esquetes 4 e 5 Ronds, apresentados durante o Assentamento Nacional pela Reforma Agrária, promovido pela Via Campesina, e Brasília, no da 13 de agosto de 2009.

Mudanças limáticas em 5 Rounds

2009-09-22T16:42:00.000-07:00

Vejam as fotos dos esquetes do 1,2 e 3 Round apresentado durante o Acampamento Nacional pela Reforma Agrária, promovido pela Via Campesina, em Brasíia, em 23/08/2009.

Lila passou pelo Oficina

2009-09-21T09:05:00.000-07:00

Chegava cedo. Entrava sempre com o pé direito no Teatro Oficina. Havia somente um camarim. Dividiam todos, mulheres e homens. Trabalhavam em uma companhia de teatro. Contratados por seis meses. Tempo que dura uma temporada.
Em cartaz um texto de valor duvidoso de um escritor baiano baseado na vida de Luz del Fuego. Um texto com muito baseado, muita transgeneralidades e pouco senso de realidade. Trilha sonora repleta de bolerões dos anos cinquenta.
A personagem principal era interpretada por uma conhecida atriz da Globo, que fez muito sucesso nos anos sessenta. Hoje, nove em dez pessoas não se lembram dela. Dez entre dez menores de quarenta anos nunca ouviram falar. Destas atrizes que passam como um carnaval.
O resto era figuração. Escada.
O lugar mais interessante era o porão. Lá estavam esparramados muitos livros como que jogados por ocasião de uma mudança rápida. Havia livros assinados pelo Boal. Levou um para casa.
Ficava no porão até alguém lhe chamar para o ensaio. Evocava os espíritos rebeldes do Oficina. Das peças de resistência dos anos de chumbo. Ouvia as vozes ecoando nas paredes.
Sentada em um tijolo ficava tomada de encanto. Porão mágico! Repleto de fantasmas. Silêncio ruidoso na cabeça juvenil. “Oh, Lila! O diretor tá chamando prô ensaio”. Sacudia-se e subia como quem sobe o santo. Desacraliza-se. Ia atender a um pedido laico. Senil.
Entrava no camarim com o pé direito. Sorriso bobo na face. Sorriso carregado de mistérios que nunca revelaria. Todos se maquiando. Colocando figurinos. Personagens ridículos, sem alma, sem propósito. Resíduos de um tempo de criatividade explosiva.
Maquiava-se de costas para o espelho. Passava a base com as mãos. Detestava a sombra bem posta. Preferia o rimel escorrendo pelo olho. A cara borrada sem rubor. Compunha seu personagem. Dama de cabaré. Decadente.
Refletida nos tijolos nus da parede ouvia conselhos das vozes armazenadas. Ia cumprir um ritual onde explodiria sentimentos contraditórios. Queimaria palavra por palavra. Pavio curto em barril de pólvora.
Ao terminar a sessão, receberia elogios e voltaria ao camarim. Na frente do espelho, vagarosamente, refaria a maquiagem. Desfazendo a personagem. Despindo o figurino lindamente mal acabo. Voltando aquela personalidade pequena que rouba livros do porão e se encanta por paredes que sussurram.
Entrava no restaurante dos artistas vestida de princesa. “Como representou bem”, diziam. Sorria. Representava agora. No Oficina tinha queimado a mais profunda verdade. Desnudava-se de todas as travas e, simplesmente, deixado vir à tona dos sentimentos daquela prostituta da cara borrada e voz rouca.

A Cachoeira

2009-09-20T10:15:00.000-07:00

Esquete apresentada no Assentamento Nacional pela Reforma Agrária, promovido pela Via Campesina, em Brasília, em 13/08/2009.

Cultura, para que?

2009-09-20T09:29:00.000-07:00

As diversas formas culturais, pelas quais os povos se expressam, objetivam mobilizar e promover o diálogo entre a comunidade local e entre a comunidade e os sujeitos estão fora de suas fronteiras. Esta função da cultura é que lhe atribui o humano significado.
O ser humano se comunica utilizando a cultura herdada. Canta, dança, atua, reza, pinta, enfim, cria e materializa formas de pensamentos a partir dos mais variados elementos da natureza. Dessa forma, promove consciente ou inconsciente a integração da comunidade e desta com o universo.
A comunidade latino-americana, mesmo subjugada e moldada pelas culturas lusitana e espanhola, possui pontos comuns de interação facilitados tanto pela proximidade de suas populações, como pela construção colonial histórica de seus países. Nas décadas recentes a experiência traumática das ditaduras militares aproximou os povos que se identificaram na perseguição e no sofrimento.
A cultura, como expressão material e imaterial, eleva a auto-estima dos povos, coletiva e individualmente. Permite a disputa sadia entre os povos. Promove o reconhecimento do individuo e da nação como partes de um mesmo território. Extingue as fronteiras físicas pela espiritualidade que é a essência da cultura. Amplia o respeito e dissolve o nacionalismo reacionário.
O Estado, regido pelo princípio democrático de participação social, está superando a fase do mecenato. Está reconhecendo suas responsabilidades diante da produção cultural de seu povo. Este, por sua vez, começa a ver o Estado como parceiro e os recursos públicos como patrimônio comum que deve ser investido para o bem-estar da população.
A cultura é um direito humano. A Constituição, de certa forma, já reconhece este direito ao atribuir diversas responsabilidades ao Estado. Desde a incumbência de elaborar um Plano Nacional de Cultura até diversas formas de financiamentos. Em outras passagens a Constituição assegura “o respeito aos valores culturais e artísticos, nacionais e regionais”, a garantia do “pleno exercício dos direitos culturais e acesso às fontes da cultura nacional, e o apoio e incentivo a valorização e a difusão das manifestações culturais”, a democratização do “acesso aos bens de cultura” e a proteção “das manifestações das culturas populares, indígenas e afro-brasileiras, e das de outros grupos participantes do processo civilizatório nacional”.
A cultura não é privilégio nem propriedade de um único povo ou indivíduo. Só assim ela pode ser um elemento formador de cidadania com função libertária. Um dos princípios pelos quais o Brasil se pauta é o da integração cultural dos povos da América Latina. Assim, o que a ALACP se propõe é, por meio de um Anteprojeto de Normas, estimular a integração regional. A Articulação quer levar adiante a sua proposta em conjunto com outras forças sociais. Convoca, portanto, os diversos setores culturais a apoiarem a proposta que será apresentada no Parlasul.

Edélcio Vigna, assessor do Inesc (Instituto de Estudos Socioeconômicos)

O Mangue – breve análise

2009-09-20T09:04:00.000-07:00

A esquete conta a história de uma comunidade da Baixada do Mangue que é contaminada por mercúrio por meio das descargas de esgoto das grandes indústrias. “O Mangue” é uma visão crítica da realidade brasileira no que tange a saúde, a segurança, a política e as práticas de corrupção comuns na administração pública. O esquete mostra personagens e cenas de um Brasil contemporâneo.
Este esquete se situa entre o melodrama e a tragédia. A ação nos reporta a situação realista, pois não há desafios românticos a vencer, mas situações sociais a superar. Não há transcendência de nenhum personagem. A morte da criança não resulta em maior conscientização ou mobilização da comunidade. Esse sofrer silencioso caracterizando o que se pode chamar de drama social.
As duas personagens, Cida e Selma, representam as classes vulnerabilizadas. São personagens sociais invisíveis, que compõe a maioria da população moradora de áreas de favela. Por outro lado, estas personagens encarnam o espírito de solidariedade tão constatado entre as classes menos abastadas. A Cida é uma representação da mãe pobre e analfabeta. Cuida da casa, do filho e assiste TV, o único aparelho eletrônico da casa. É a que sofre diretamente a falta das políticas públicas, as dificuldades da pobreza.
A Selma, a vizinha, representa o elo de humanidade que costura as diversas desigualdades que existe entre os moradores. É a pouca voz dos que não tem voz. É uma explosão momentânea, não processual.
O Fiscal da Prefeitura personifica a prática da ineficiência governamental. A advogada das empresas poluidoras do mangue representa o exercício da ciência do direito em detrimento dos direitos das classes mais vulnerabilizadas. A advogada é uma personagem ambígua. Tem que defender as empresas e sobreviver por meio das catástrofes ambientais.
O personagem do repórter é o fio condutor do esquete. A máscara que usa é um símbolo de distanciamento social Ele representa a falsa visão de neutralidade das empresas de comunicação que dão aos expectadores uma falsa sensação de participação.
A cena do enterro do filho da Cida é um grito silencioso das populações invisíveis. O esquete mostra estas personagens. Os espectadores vêem no palco o que cotidianamente vêem nos meios de comunicação. A diferença é que no teatro os atores mostram quando os personagens são corruptos e hipócritas e como eles o fazem.
O grupo acredita que esta é a função do teatro: mostrar o que se passa na alma dos personagens em suas diversas relações sociais.

O último Sabiá: análise

2009-09-20T08:16:00.000-07:00

Este esquete dentre os diversos gêneros teatrais é uma tragédia. A tragédia não se caracteriza pela morte, mas pela superação do destino do personagem trágico. O sacrifício é uma afirmação de vida. Entre os padrões clássicos de ação trágica, este se situa no de destruição e possibilidade de renovação.
A relação entre os personagens, em especial entre o pai e a filha, é culturalmente bruta. Estão no limite da perda da fala. Expressam-se por sons guturais. Provavelmente em um futuro próximo não mais falarão. Perderão definitivamente a capacidade da fala.
O personagem do pai não tem nenhuma herança moral e ética que possa deixar para a filha. Nele não há amanhã. A filha ao não herdar nenhuma esperança se move por um aprendizado niilista. O aprendizado da morte e do roubo de vidas e coisas suplantará qualquer possibilidade de regeneração. Ela deverá seguir o pai até o fim, em uma linha descendente de geração em geração.
O personagem da Sabiá não é louca, nem demente. Ao contrário, é a personagem-esperança. É um personagem utópico, pois trás em si a possibilidade de mudança. Ela acredita no amanhã. Por isso, escreve e acredita que um dia alguém poderá ler o que escreveu. E esse leitor poderá ser alterado pelas palavras escritas a carvão.
Alguns objetos simbólicos do personagem Sabiá: (1) o caderno ao qual se apega como uma fonte de vida. Será o caderno uma espécie de passaporte para os limites que o personagem supera a cada dia no contexto árido e de morte em que vive? Por isso, vale mais que a água e o ouro. (2) O gravador de fita é outro símbolo forte. É uma peça herdada de um pai que a ensinou a ler e escrever. É a voz gravada que faz a última comunicação e encerra o ciclo dos esquetes. A voz paira sobre um corpo caído e morto como uma mensagem perdida no espaço. Tudo morre, menos a possibilidade.
Há um quarto personagem que aparece no início do esquete. É um ser híbrido. É um elo perdido entre o que a humanidade foi e o que era. Não é um demente, nem um macaco, nem um homem-macaco. É um ser que não herdou referências da cultura humana. Ele, como os bichos, luta pelos elementos básicos da vida, mas o instinto de sobrevivência supera os demais.
O esquete tem quatro personagens, mas apenas três poderiam pactuar por um novo mundo. O significado singular de cada um não permite a construção de um futuro novo. A filha, que não tem outra referencia, segue o pai. A Sabiá representa a utopia, a possibilidade do melhor quando tudo se degenera.
Nas condições retratadas pelo esquete não há espaço de diálogo entre o velho e o novo. Por isso, o personagem pai tem de matar a personagem Sabiá. Ela é sua antítese, mas que não se resolverá em uma síntese. Não há espaço em cena para os dois.
No final, após a morte da personagem Sabiá, a filha volta e “rouba” o caderno e, sem perceber, coloca em funcionamento o velho gravador, mas não ouve a mensagem gravada. O “erro trágico” do roubo é o que caracteriza a esquete como uma tragédia, pois abre a possibilidade de renovação.